El valor colectivo de la belleza idealiza al proceso creador de las artes en un mundo donde la supremacía de la técnica y el poder mismo limitan la propia creatividad e inspiración del artista dando lugar a discursos de forma divinos, rebuscados, preciosos, llenos de adorno pero irracionales y carentes de contenido auténtico.
La búsqueda insaciable del artista por realizar su existencia a través de la obra es sólo una aspiración social de aprobación (“el sabio persigue la gloria y el artista el aplauso“) que resulta de la normativización tan rígida, cerrada y elitista de las artes.
¿En qué momento se creyó que era buena idea separar las artes de las ciencias si ambas comparten un común denominador que es la naturaleza?
Andrea Vivanco
estoy de acuerdo contigo, de hecho en la sociedad artística de occidente era común percibir que artistas fungieran como científicos al observar formas en la naturaleza para analizar, experimentar y documentar encuentros; por ejemplo, a través de estudios o experimentos elaboraban substancias químicas propicias para la elaboración de pinturas o soportes, que serían útiles para plasmar un estilo y expresar una cosmovisión. Con ello, podríamos decir que se pudo observar un desarrollo entre la ciencia y el arte casi simultáneo y sin grandes problemáticas, esto hasta el siglo XVIII.
ReplyDeleteAl pasar el tiempo, estas disciplinas han delimitado sus campos y áreas de estudio dependiendo de la actividad intelectual o manual que les interese desempeñar. A principios del Siglo XIX se dieron notables tenciones entre estas áreas; debido a que “el arte (el saber hacer) alcanzaba poco a poco al ámbito de la técnica o de la tecnología, alejándose del arte pero aproximándose a la ciencia”[2].
A finales del siglo XIX la situación se fue complicando más al producirse críticas contra la industria, que en sí era lo que producía la ciencia. La desaprobación iba en torno a que la ciencia descuidaba los aspectos sociales por favorecer sus progresos técnicos; es decir “los progresos de la industria, que son los de la ciencia, […] han creado en el mundo nuevas formas de miseria, más agudas, más intolerables”[3]. Ante este tipo de críticas, de alguna manera, se ratificó la segmentación entre estas disciplinas.
Coincido tambien con Andy y ademas considero la necesidad de lograr captar la esencia de una imagen percibida de la realidad ha sido el factor primordial de todo artista que pretenda buscar una identidad propia en su forma de expresión así como de una inercia de su forma de ver y manejar las técnicas que le resultan más adecuadas en una interpretación de lo que se observa, en este texto el autor analiza diversos artistas poniendo especial énfasis en la obra de Constable en donde se observa que el artista realiza un cambio en el manejo de los tonos en virtud a la relación de los mismos con el entorno, esta forma de estructurar un todo a partir de la integración del color creó diversas opiniones que rompieron el silencio en una época, sin embrago es también importante la participación de los espectadores que tienen la necesidad de apreciación y la forma en que una cultura en determinada época marca una tendencia en su forma de apreciar el arte, misma que cuando es modificada se ve envuelta en las criticas y rechazos, esto también marca la oportunidad que tienen los artistas por sobresalir y crear formas de ver, que normalmente se adelantan a su época, se convierten en visionarios dejando a la historia el trabajo del reconocimiento de su legado, también la misma forma de ver las cosas hace diferente la ejecución, ya que esta se ve influida por el desarrollo académico, cultural y la afectación positiva o negativa que tiene el artista por su entorno social, político, familiar, etc., además de las capacidades de observación o invención ya sea por su iniciativa por trascender lo ya hecho por otras artistas como por algunas cuestiones de tipo psicológico o físico en su forma de observación del medio circundante, en este caso veo la influencia que tiene la apreciación de una realidad a partir de sus modificaciones lumínicas así como la manera de copiar una realidad que muchas veces difiere de la verdad absoluta para integrarse como interpretación propia y en ocasiones apropiada de otros autores.
ReplyDeleteEn la antigüedad el arte era la reproducción de la naturaleza, para preservar la belleza en algo estático, ahora el artista se ha preocupado por analizar al individuo desde su interior.
ReplyDeleteEn la actualidad, y ya desde hace algunos años, el arte ha variado sus planteamientos conceptuales y estéticos, cuando en la época del Barroco se exaltaba principalmente la belleza y lo agradable a la percepción humana, hoy en día hay propuestas ya aceptadas basadas en lo grotesco y lo horrible, tal es el caso de David La Chapell y Joel Peter Witkin entre otros.
Las artes y las ciencias, unen sus caminos paralelos en algún momento, cuando el artista sigue su producción por los pasos de la experimentación, y cuando el científico se deja llevar por su instinto inventa y el ingenio se materializa, compatible el echo con los artistas que si bien es el resultado de estudio y reflexión, mantienen un ritmo hasta que se conjugan los elementos y algo valioso se produce.
Y pasados los años se hablara de la crisis que se vive en la actualidad y que ha sido la razón de cambios drásticos en los productos visuales y conceptuales, si bien las artes han sido catárticos de sentimientos y emociones, hoy que lo vivimos nos concientizamos de lo mucho que influye. Cada época ha sido la negación de la pasada.
El verdadero temor como productor es dejar de producir, como individuo y como grupo, si esto sucede, será el fin de la sociedad como seres pensantes, habremos llegado al hartazgo y al vacío intelectual, dejaremos e ir evolucionado y perderemos toda lógica de la sociedad y entre los individuos, sensibles al mundo que nos rodea, dejaremos de cultivarnos y enriquecernos, de inteligencia y espíritu.
Alexandra Marín